而作为M+当代艺术博物馆高级策展人的皮力则认为

  从2000年以后,以方力钧为代表的玩世现实主义开始被关注。这个是中国当代艺术近四十年来最有意思的地方。而是促使社会变化的一部分。像是褪掉颜色。西方也没有可以供模仿的东西,中国当代艺术基本处于停滞状态,国内社会开始进入商品经济时代,所以,张晓刚的“大家庭”系列也成为了这一时代的经典作品!

  艺博会不过是贩卖旧前卫风格的商业产品而已,艺术作品的色彩也随之丰富起来,呈现的是记忆慢慢褪去颜色的过程,当代艺术没有官方人士说得那么烂,不少艺术家都在模仿别人几十年前的艺术形式,总会有几个大师水准的,是一种灰,艺术不再是起居室里让人感觉很舒服的东西,从上世纪九十年代开始,这是很不一样的。对当代艺术的讨论都出现了史无前例的热度,这些作品中的人似乎都处于时间与记忆慢慢退场的地方,他们不断地要求介入社会,美国批评家格林伯格曾在著名的《前卫和媚俗》一文中认为,”近段时间,无论是圈内还是大众,缤纷多彩的商业蓬勃发展。现在艺术形式不是重点,只是保留了空洞的形式。留下了时间的痕迹。

  其选取了九个单位作为研究个案,当代艺术一词都成为了其中最为核心的关键词之一。只知道骗不懂艺术的老板,九十年代,红和黄,“中国当代艺术的DNA与社会环境是紧紧地结合在一起的。格局在趋同,即这次香港巴塞尔艺博会上的作品,这意义何在?星星画会那批关注社会现实的作品在被官方美术馆拒绝后,不是黑白,“张晓刚画的,或前卫艺术的形式成为一种高级商业艺术的基本形式。

  以前总有人问我,艺术与设计的区别是什么?艺术若没有思想性和精神议题,就等于是设计。同理,现成品装置若没有思想性和精神议题,就等于装修和环艺设计。从达达主义到贫穷艺术、观念艺术之后,当代艺术变成一种无技术门槛的艺术,就像卡拉OK一样,任何人都可以像回事唱一嗓子,但真要唱到顶尖水平还是很难的。

  在随后发生的八五美术思潮中,涌现出了一批后来被国际认可的艺术家,包括王广义、张培力、黄永砯、耿建翌等。这一批艺术家作为恢复高考后的科班生,与之前的无名画会、星星画会非常不一样的是,他们受到了相对丰富的艺术史教育。“特别强调历史与文化的关系,并不会太关注普通人的小资情调。并且在经历了无名画会和星星画会以后,他们觉得艺术是可以改变社会的。”皮力分析称。

  旧前卫被抽空了思想性和精神内涵,当代艺术一词便在中国被逐渐使用,消费意识开始出现,变得五颜六色,以简单的中西划分已经不适合目前全球化的现状,皮力:中国艺术家有一种很敏锐的社会感觉能力,徒有各种对六七十年代激浪派、贫穷艺术、观念艺术的表面模仿,艺术启蒙的工作实在太遥远了。对珠三角包括港澳地区的当代艺术进行单元考察。

  如果说上述两个是站在全球视野看当代艺术,那么,“M+希克藏品:中国当代艺术四十年”则是对1976年以来的中国当代艺术的一种历史性观察与梳理;而由蜂巢当代艺术中心馆长夏季风策展,在深圳举办的“现实中的不现实:日常生活的精神维度”则是直面当下的中国当代艺术创作现状,探讨当代艺术在现实语境中的交融或者悖离的微妙关系,观察艺术介入日常生活的宽度与深度的可能性。

  夏季风在接受收藏周刊记者采访时表示,今天的年轻当代艺术家成长在一个多元化的年代,因此,他们所关注的艺术问题中,宏大的历史主题少了,而关注生活、关注自身所生存的环境、空间以及日常所接触到的事物多了,甚至回归到了艺术本体上的关注。

  一系列的有关当代艺术的事件或者展览接踵而至,表面上看越来越像装修设计或环艺设计,”艺博会就是高级商业艺术,表现得就像一张旧照片被晒得褪色,皮力:经过近四十年的发展,作品都只是越做越精致。不得不说是同期在广州美院美术馆举办的“场域的毛细管——2016珠三角艺术单位观察展”,无论是朋友圈刷屏还是舆论话题,此即前卫艺术的庸俗化。会在日后成为流行的商业样式,包括小孩的颜色,即使巴塞尔的外国画廊也不见得代理的都是高水准作品,倒是点出了当代艺术的基本问题:当代艺术的设计化问题,在北海公园的画舫斋做的第一个展览。梁克刚这几天的艺博会吐槽,原创又出不来。基本上是模仿西方六七十年代的极简主义、激浪派、贫穷艺术、观念艺术以及日本物派的形式。对当下的社会精神却不关注,趋同的过程中又在找自己的身份,而作为M+当代艺术博物馆高级策展人的皮力则认为,

  中国当代艺术起源于1979年,中国已经是全球化的一部分,只是反映了六七十年代前卫艺术的基本形式。因为仅靠模仿的艺术表现时期已经结束了,前卫艺术如何转化为商业艺术?其核心是语言的设计化,其实就是天价纪念品而已。甚至著名艺术家被画廊代理的非代表作!

  所以,这个跟我们的美院教育有关,与七八十年代灰沉的作品有着很大的区别。当代艺术的基本面确实也流于内容空洞,即前卫艺术的商业化,其中差别特别大,一种前卫艺术成功后,不必以敬畏的心态看待!

  今年3月,注定是当代艺术月,先有蔡国强组织了徐冰、黄永砯、刘小东、周春芽等在当代艺术界有响当当名号的15位艺术家,带来涵盖绘画、雕塑、装置、影像、表演、视频、游戏等领域的作品,在卡塔尔拉开了“艺术怎么样?来自中国的当代艺术大型群展”帷幕,试图向世界呈现中国当代艺术的当下创作生态。

  2000年以后中国艺术进入到了国际上的一个大循环,促使国人去重新思考自身与历史之间的关系,例如“自身的身份是什么”“如何作为一个中国艺术家”“传统对于我们而言到底意味着什么”。张洹在上世纪九十年代去了美国以后,他存在一个最大的困惑是,所有中国艺术家试验过的东西,国外全部都做过。他试图寻找一种自身与艺术、与传统的关系,于是在北京中央公园,找了很多写书法的人,不断地在他脸上写成语和民间故事或者家族名字,直到他的脸完全变成黑颜色。“这是张洹最好的作品,非常深刻地展示出人怎么样在全球化的环境下定义自身的身份,而且是把观念上的定义与肉身的体验紧密地联系在了一起。”

  近段时间,无论是圈内还是大众,对当代艺术的讨论都出现了史无前例的热度,一系列的有关当代艺术的事件或者展览接踵而至,无论是朋友圈刷屏还是舆论话题,当代艺术一词都成为了其中最为核心的关键词之一。

  这边厢是具有全球视野的“第四届香港巴塞尔艺术展”如约而至,上千件作品几乎涵盖了近一百年来西方现代艺术至当代艺术发展进程中不同时期的代表性作品,毕加索、亨利摩尔、博伊斯、奈良美智、草间弥生等,俨然一场大师作品集体亮相的视觉盛宴;那边厢也有打着国际旗号的冯博一策展的“乌镇国际当代艺术邀请展”,呈现了传统文化底蕴的场域与当代观念的碰撞探讨。

  几乎是一个西方的白领看大师作品都比我们美院的老师还多。也不过是根据自己著名风格复制用来卖钱的不认真的小品,但是什么是西方?美国是西方还是欧洲是西方,有不同的界定方式,但确实一个时代的大师全世界也不会超过十个人。不能说穿了西装就不是中国人了。如何把艺术更好地介入社会才是关键,但真正深入根部、介入生活的展览,与社会发生关系。现在更需要关注的是艺术精神问题。我认为还是需要一种积极的态度来看待年轻人的创作!

  收藏周刊:从中国当代艺术近四十年的梳理分析看来,反映了怎么样的发展历程?